ТАНЕЦ КАК СПОСОБ ПОНЯТЬ СЕБЯ
блиц-интервью с хореографом александром андрияшкиным
александр андрияшкин. фото: глеб кузнецов
Александр Андрияшкин — хореограф, режиссёр, арт-практик и преподаватель современного танца. На конференции «Актёрское образование. Апгрейд. Педагоги — педагогам» он провел четырёхдневный мастер-класс по танцу и перформативный практикам. В интервью Медиацентру BRUSFESTа Александр рассказал об особенностях современной хореографии и о её роли в актёрском образовании.
как танец влияет на психофизический аппарат актёра?
Важно понять, что мы называем танцем. Например, танец как культура и как искусство — разные явления. Мне близко определение, что танец — это организация действия в пространстве и времени. В этом смысле можно говорить о нём как о практике самоорганизации. Или установления внутренних связей в теле и внешних — в группе и социуме. Или как о способе проработки и формирования каких-то состояний.
какую роль играет танец в актёрском образовании?
У каждого из нас есть тело, и мы, как правило, сильно себя с ним идентифицируем. Но для актёра оно становится ещё и инструментом профессиональной деятельности. Поэтому в театральной системе образования моя задача — предложить студентам не сколько набор танцевальных направлений, сколько способы налаживания связей со своим аппаратом, навыки контакта через тело, через присутствие и внимание. А при хорошем раскладе, ещё и привычку осознанного и бережного отношения к телу, а значит, и к себе самому.
то есть в танце осознать себя важнее, чем овладеть техникой?
У меня нет задачи научить актёра двигаться как профессионального танцовщика. Но современные спектакли часто требуют от исполнителей находиться в активном действии и в усиленном внимании. А танец и перформативные практики вполне убедительная и понятная система работы над этим.
Важно понять, что мы называем танцем. Например, танец как культура и как искусство — разные явления. Мне близко определение, что танец — это организация действия в пространстве и времени. В этом смысле можно говорить о нём как о практике самоорганизации. Или установления внутренних связей в теле и внешних — в группе и социуме. Или как о способе проработки и формирования каких-то состояний.
какую роль играет танец в актёрском образовании?
У каждого из нас есть тело, и мы, как правило, сильно себя с ним идентифицируем. Но для актёра оно становится ещё и инструментом профессиональной деятельности. Поэтому в театральной системе образования моя задача — предложить студентам не сколько набор танцевальных направлений, сколько способы налаживания связей со своим аппаратом, навыки контакта через тело, через присутствие и внимание. А при хорошем раскладе, ещё и привычку осознанного и бережного отношения к телу, а значит, и к себе самому.
то есть в танце осознать себя важнее, чем овладеть техникой?
У меня нет задачи научить актёра двигаться как профессионального танцовщика. Но современные спектакли часто требуют от исполнителей находиться в активном действии и в усиленном внимании. А танец и перформативные практики вполне убедительная и понятная система работы над этим.
александр андрияшкин проводит мастер-класс для участников конференции «актёрское образование. апгрейд». фото: глеб кузнецов
каковы современные методики преподавания танца для актёров?
Условно можно выделить два подхода. Первый — это зафиксированные наборы упражнений, выполняя которые, человек приобретает мобильность, улучшает качество движений и своё физическое присутствие в пространстве. Например, занятия классическим танцем или другими сформировавшимися танцевальными жанрами. Второй — более индивидуальный подход. В нём работа идёт скорее с набором концепций и задач, чем с повторением зафиксированных форм. Форма остаётся важна, но она возникает как одномоментный результат процесса, в котором человек находится прямо сейчас. Например, так я работаю в Мастерской Брусникина, где преподавание телесных перформативных практик не ограничивается нашими занятиями, а продолжается в переносе телесных идей в работу с текстом, голосом и высказыванием.
сейчас всё большую популярность набирают пластические спектакли. в чём их преимущество? почему не получается то же самое донести словами?
Хочется сразу высветить неестественность самого противопоставления слова и движения. Слово — это вибрация, которую производит наше тело. Она так же телесна, как и движение. Если же говорить о популярности, то её сейчас приобретают даже не сколько пластические спектакли, сколько тенденция к объединению слова и действия. Игровой театр всё больше присваивает себе хореографические наработки, а танцевальный — драматические. Перформативные опыты и идеи также набирают популярность. Авторы спектаклей просто возвращают естественность состояния, когда человек на сцене и действует, и двигается, и танцует, и говорит, и молча наблюдает.
обучение современному танцу — долгий процесс, а вы на конференции провели с участниками лишь четыре встречи. что можно успеть донести за этот период?
На своих мастер-классах я стараюсь работать так, чтобы в конце осталась целостная картина того, как можно относиться к телу, движению, высказыванию, партнерству, присутствию и психофизике. Важно эти темы подкреплять конкретными упражнениями и нашим совместным опытом практики и рефлексии. Мне ценны такие соединения, и я рад, что на конференции у нас с участниками были и длинные прямые разговоры о театре, телесности, современности, преподавании, и многочасовые практические сеты.
А про встречи... Сколько бы их ни было, всегда будет недостаточно и всегда ровно столько, чтобы успеть передать что-то ценное и целостное.
Условно можно выделить два подхода. Первый — это зафиксированные наборы упражнений, выполняя которые, человек приобретает мобильность, улучшает качество движений и своё физическое присутствие в пространстве. Например, занятия классическим танцем или другими сформировавшимися танцевальными жанрами. Второй — более индивидуальный подход. В нём работа идёт скорее с набором концепций и задач, чем с повторением зафиксированных форм. Форма остаётся важна, но она возникает как одномоментный результат процесса, в котором человек находится прямо сейчас. Например, так я работаю в Мастерской Брусникина, где преподавание телесных перформативных практик не ограничивается нашими занятиями, а продолжается в переносе телесных идей в работу с текстом, голосом и высказыванием.
сейчас всё большую популярность набирают пластические спектакли. в чём их преимущество? почему не получается то же самое донести словами?
Хочется сразу высветить неестественность самого противопоставления слова и движения. Слово — это вибрация, которую производит наше тело. Она так же телесна, как и движение. Если же говорить о популярности, то её сейчас приобретают даже не сколько пластические спектакли, сколько тенденция к объединению слова и действия. Игровой театр всё больше присваивает себе хореографические наработки, а танцевальный — драматические. Перформативные опыты и идеи также набирают популярность. Авторы спектаклей просто возвращают естественность состояния, когда человек на сцене и действует, и двигается, и танцует, и говорит, и молча наблюдает.
обучение современному танцу — долгий процесс, а вы на конференции провели с участниками лишь четыре встречи. что можно успеть донести за этот период?
На своих мастер-классах я стараюсь работать так, чтобы в конце осталась целостная картина того, как можно относиться к телу, движению, высказыванию, партнерству, присутствию и психофизике. Важно эти темы подкреплять конкретными упражнениями и нашим совместным опытом практики и рефлексии. Мне ценны такие соединения, и я рад, что на конференции у нас с участниками были и длинные прямые разговоры о театре, телесности, современности, преподавании, и многочасовые практические сеты.
А про встречи... Сколько бы их ни было, всегда будет недостаточно и всегда ровно столько, чтобы успеть передать что-то ценное и целостное.
бонус
Для участников конференции «Актёрское образование. Апгрейд» Александр Андрияшкин составил подборку
«15 музыкальных треков для перформативных танцевальных практик».
«15 музыкальных треков для перформативных танцевальных практик».
текст: элина рыжкова
